戏曲传承中的“口传心授”(2)

　　再说“口传心授”，其实不光是台上这点事。记得我和同学第一次进后台，老师就告诉大家，哪里可以坐，哪里不可以坐。彩裤怎么系，护领怎样搭。不能先穿了彩裤再化妆。甚至连穿服装怎样配合大衣箱师傅的动作，扎靠怎样才能不回扣等等。看上去这些零零碎碎、絮絮叨叨的事似乎与台上表演有啥要紧的关系？似乎“风马牛不相及也”。其实不然！当我走过了三十余年的艺术履历后方才深刻的领悟到老师的良苦用心。因为“里面不整，外面必乱”。只有穿舒服了，才能演精致了。只有扮好了，才能演象了。只有演员演舒服了，观众看你才能舒服。只有演员自己演过瘾了，观众才能看得过瘾。作为一个从事戏曲表演教学与研究的人，在长期的学习和实践中感悟到，舞台形象的完美是塑造人物的前提。而要做到这些，必须要经过老师的系统教导、学生在老师身边长期的耳濡目染，熏陶影响才行。这就应了那句老话，没有规矩不成方圆啊！

　　那么，有了老师的“口信传授”，做学生的又该如何去学习、接受、理解和消化呢？这就涉及到我们开篇谈到的“心受”了。首先要学以至心。以端正而认真的态度为前提，用“心”去受教于老师的指导。用“心”去体味老师的每分每寸的表演经验、审美心得。

　　我认为“心受”的过程大致可以分为以下三个阶段：

　　首先是模仿阶段。即外形模仿，“照猫画虎”。把老师的唱腔、念白、身段、眼神，一招一式，一下不落的学下来。这个阶段的机械模仿，是通常意义上自然的必由之路。而要做到这一阶段的前提，就是练好基本功。毋庸置疑，基本功的好坏将决定日后的表演质量、艺术水平的高低。

　　其次是感悟与表现。在打好坚实的基础，掌握好基本程式后，仔细理解程式的真正内涵。即“知其然，知其所以然”。

　　由“心授”到“心受”的转变过程，客观上是自行揣摩、创造的过程。也就是由学生逐渐向演员转化的过程。在这一过程中，依靠先期的学习基础进行表演程式的运用转化，明确表演程式的目的性，更符合程式的审美性。同时，把自己的艺术观、感染力、审美取向运用到所塑造的人物表演中。从而，创造出个性鲜明的舞台艺术形象。并逐渐形成自己的表演个性和风格。

　　再次是含蓄和内敛。京剧是虚拟的，是写意的，其特征是表现性艺术。是在表现上再现生活。因此，它是“变形、夸大”了的艺术的“生活”。所以，“弦外之音”、“言外之意”这中国古典戏曲艺术之绝妙的审美趣致特征便是必须遵守的表演法则。因此也才有了程式的间离性与传神的幻觉感之统一的中国戏曲表演的最高美学原则之说。否则，它的魅力便会荡然无存。所剩者也只能是幼稚低级的活报剧了。故此，当进入了真正意义上的表演阶段，再要追求的便是这戏外的功夫了。

　　综上所述，戏曲艺术在数百年的发展中，所依靠的最重要的传承方式就是“口传心授”。荀子曰“不是师法而好自用，譬之是犹以盲辨色，以聋辨声也”。戏曲——这古老的民族艺术，没有党和政府的大力扶持、没有前辈艺术家呕心沥血的“口传心授”，又何谈今天的传承和辉煌。

　　艺术实践的经验告诉我们，“口传心授”不是过时而腐朽的戏曲教育方式和理念，而是有着深奥的历史价值和积极现实作用的教学法宝。