声乐教学中应该澄清的两个问题

　　【内容摘要】在声乐教学中，有两个问题需要受到教师和学生的重视：一是艺术是个性的，所以音色不能复制；二是艺术是需要灵魂的，所以情感不能替代。好的声乐教学不是把教案生搬硬套在学生身上，恰恰相反，是需要教师正确引导学生的个性和特色，信任学生并激发其潜能。只有这样，才能培养出更多优秀的声乐艺术人才。
　　【关键词】声乐教学音色复制情感体验替代
　　声乐课堂是培养艺术人才的摇篮，教师需要教会学生如何一步步地成长。教学有界限和规律，有些教师希望学生"成长得更快"，因而试图去改变学生原本的音色，或是代替学生对歌曲的情感处理。这些问题看似微小实则至关重要。笔者此文的目的就是希望能引发人们在声乐教学中对这两方面问题的思考和重视，因材施教才是科学。
　　声乐是以人的身体为乐器演奏出的音乐，既是一门艺术也是一门科学。近年来，随着声乐艺术逐渐被大众接受与认可，学习声乐的人越来越多。因此，声乐课堂的教学也渐渐引起了人们的关注。声乐艺术是抽象的，因为每个人的身体机能和内部构造都不同，所以教学过程中的示范和模仿并不足以让学生理解透彻。声乐教学就是让学生从抽象走向具体，唱出自己最好的声音。在许多声乐课堂上，存在着两个比较普遍的问题。第一，试图去改变学生原有的音色。教师会让学生去模仿自己或者是模仿某歌唱家的声音，认为这样的教学是一条"捷径"，能更快地让学生上升到另一个层次。第二，试图替代学生对歌曲的情感体验。课堂上教师会给学生讲解作品处理和情感表达，但教学的方式是完全让学生按照自己所说的去做，举手投足甚至包括心理活动都是教师设计好的。
　　这两个问题看似是教学中的小细节，但其实非常重要。声乐教学的最终目的是为了培养人才，而不是没有自身个性与特点的"歌唱机器"。所以，教师在对音色和歌唱情感进行教学的时候必须要理清一些基本规律，即一个人的音色不能改变，一个人的情感不能被人替代。教学不是为了复制另一个自己或艺术家，而应该充分尊重学生的个性，因材施教才能青出于蓝而胜于蓝。
　　一、每个人的独特音色无法复制
　　为什么音色不能复制？音色是一个人本身特有的音质。每个人的声音都有其特征及特色，这也是为何人们仅靠听一个人的声音就能出辨别出来是谁。尽管会有声音相似的两个人，但因为人本身就是发声体，发声体内部的结构不一样，发生振动的频率和振幅也不一样，因此不会有两个完全一样的声音。人在最自然、舒适的状态下发出的就是其本身所具有的音色。如果硬要学生改变自己原来的声音特质去模仿某个人的音色，就算学生做到了，那也不是在松弛、自然的肌肉状态下完成发声的，久而久之，会形成肌肉记忆，一开口就是这个声音，导致学生忘记了甚至找不回自己本来的音色。这样做不但不会对学生今后的演唱有帮助，反而是一种阻碍。在这种情况下唱出的声音对喉肌和声带都是一种耗损。
　　现在的声乐课堂上出现了这样一种现象，比如说有的教师本身是男中音，也擅长教男中音，所以他会把学生都"变成"男中音。学生是男中音还是男高音，是根据其音域和音色区分的。男高音的音域一般为c1-a2（c3），中高音区的音色明亮纯净，有穿透力，低音略弱；而男中音的音域一般为a-f2（a2}，音色更为饱满、结实，有阳刚气质。而决定音色的重要一点就是声带的厚度和宽度。不管是男高音还是男中音，虽然发声的方法大致相同，但是音色的特点却大不相同，选择演唱的作品就会不一样。为男中音谱写的曲子一定是能体现这个音域的特色，同时曲子也需要男中音浑厚、饱满的音色烘托才能更好地传达作品要体现的内涵，这也决定了男中音的曲子大多表达的是悲伤、深沉的情感。同样，男高音的曲子多为歌颂类，需要结合高亢明亮的音色以及较强的穿透力才更能体现激昂、奋进的情绪。因此，如果学生本身是男高音，在演绎男中音作品时，或许会觉得情感不够到位，低音区也较薄弱。如果这个时候教师让一个男高音去唱男中音的作品，那么为了达到作品想要表达的效果，学生可能就会出现严重压喉的现象。同样，一个男中音去唱男高音的作品，如果引导不当就会吊着嗓子喊高音。这样非但不能开拓学生的音域，提高学生的能力，反而扬短避长，把学生最光彩的部分掩盖了起来。久而久之，学习就没有了动力和信心。情绪和状态本来就是学习声乐最好的助力，教师应该懂得利用这一点为学生的学习带来帮助而不是阻碍。
　　每一个学生本身的声音特色都不同，教师可以在教学中通过训练去指导学生如何体现自己的音色并使之更美、更圆润饱满，而不是去改变学生原有的音色。每个人的声音不一样，先天条件也存在着差异，因此，一定要因材施教，而不是单纯地靠模仿甚至是复制。但是，音域却是可以通过扎实的基本功和有效的训练去拓宽的，但前提是学生要在自己原来的音域当中熟悉掌握发声技巧的情况下去拓宽。能唱高音的不一定就是男高音，能唱中音的也不一定就是男中音。音域不代表音色，教师要承认并肯定每一个学生原有的音色，结合其声音的特性来教学，而不是千篇一律，把同一套教案套在不同学生的身上。
　　二、对歌曲的情感体验是不能替代的
　　声乐演唱艺术离不开歌唱者的二次创作，所谓二次创作其实就是歌者对歌曲的理解以及情感表达的代名词。二次创作除了需要演唱者把握好音乐风格、节奏、旋律等大量扎实的理论基础之外，还需要把作品代入自己的生活，将生活中的情感融入作品当中。如果学生演绎作品时只是单纯地按照教师说的去做，并没有经过自己的体会和思考，恐怕唱出来的结果情感和声乐是脱节的。课堂上教师可以给学生讲解这首作品的背景、情境以及作曲家写这首乐曲时的心情等，然后让学生结合自己的切身经验和感觉去演绎。教师应该指导学生如何培养情绪，而不是代替学生去思考去感受。有些教师因为对作品已经非常熟悉，阅历丰富，或是对这首曲子很有感情，当学生刚开始唱达不到教师要求时，常常习惯性地告诉学生这里应该这样，那里应该那样，甚至为学生设计好心理活动。这样的教学培养出来的不是会唱歌的学生，而是"情感机械化"的学生。这就是为什么我们经常能看到，舞台上的许多学生不管唱什么歌表达情感的方式除了伸一只手就是伸两只手。试想一下，一句话从同一个人的口中说出，同时听到这句话的10个人可能会有10种不一样的感受，更何况是一首有词、有曲、有故事的歌呢？二度创作的最终目的就是为了让歌唱者表达自己内心最真实的感受和情绪，这样才能与歌曲合为一体，仿佛讲述的就是自己的故事，打动人心。倘若情感的表达是靠死记硬背的，是靠模仿的，恐怕是没有震撼力的。教师应该启发学生的联想、情绪，提高学生的审美和对意境、内涵的挖掘，教的是方法，而不是内容，否则学生唱完了教的这首歌，下一首还是不懂如何去表达情感。
　　一个人会唱歌，往往不是因为他的技巧，而是因为他把歌曲的内涵和情感很好地呈现出来。要把一首作品诠释好，不仅要感同身受，还要在作品中注入自己的灵魂。这样歌唱的人对作品会更有亲切感，更熟悉，也只有注入了歌者灵魂的歌声才最动人。我们常常听到"声情并茂"这个词，大多数人牢牢记住了，但他们似乎只记得"声"和"情"，其实重点在"并"字上，"并"的意思除了需要同时兼顾，更重要的是融入，以情带声、以声带情。所以，如果是机械的，不是发自内心的感受，是不足以让"声"和"情"这两者之间相互牵动的。
　　总之，一定要澄清一个事实，即教师在教学的时候不能试图去改变学生的音色，也不能让自己的情感来代替学生的情感。声乐艺术的道路除了需要得到教师的正确指引和教导，更要靠学生自己一步一个脚印慢慢摸索、体会和感悟。它没有公式，没有模型，不是千篇一律，但这正是它吸引人、打动人的地方。所以，每个人走的路程不一样，轨迹也就不一样。笔者不否认模仿在学习过程中会起到或多或少的作用，也不否认教师的生活经历、情感阅历以及对作品的熟悉、处理会远胜于他的学生，教师可以以自己丰富的经验告诉学生怎么做会更好，但还是要学生自己去实践摸索。任何的成长都是需要过程的，没有捷径可走；同样，任何的成长都是不可代替的，更代替不得。在尊重学生个性、特色和思想的前提下进行引导和教学才是今天应该被推崇的。复制人才不是教学的目的，培养有创造性的艺术人才才是教学的目的。
　　参考文献：
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　　作者系华南师范大学2011级音乐学系硕士研究生
　　（责任编辑：高薪茹）