绘画与设计的差异

　　摘 要：绘画与设计之间相互联系又有差异，要成为成为一名优秀的设计师，不仅要有深厚的绘画功底，丰富的专业知识和艺术素养，还要有广博的社会信息。不但要掌握基本的绘画技法，还要对设计的形式法则，审美的情趣有深刻而独到的见解。只有正确地把握绘画与设计的差异性，掌握适度的分寸关系，才能有助于专业成长。

　　关键词：绘画；设计；差异性

　　中图分类号：J05 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2014）12-0163-02

　　自从平面设计作为单独的学科建立以来，绘画课程就做为基础课程，一个优秀的设计者应该具备对点、线、面的平面关系的了解，平面构成、色彩构成、立体构成的深刻领悟。但绘画艺术的不断创新，同样也促使平面设计有了不断的前进。平面设计的文化意蕴随着绘画艺术的文化意蕴的发展而发展，从历史来看我们不难发现，其实平面设计的历史发展也就是绘画艺术的历史发展。绘画与设计有密切的关系，但绘画与设计存在着巨大功能上的差异性。

　　一、绘画具有自身的审美性，设计具有一定的商业功能性

　　绘画是我们人类的思维过程，它具有自身的艺术特征。绘画的真正意义在于自身的创新。无论是中国绘画还是西方国家的绘画，都有许多画家创作出很极端的作品，如荷兰画家文森特·梵高成为极端个性化的艺术家的典型，他摒弃了一切后天习得的知识，漠视学院派珍视的教条，甚至忘记自己的理性，在他的眼中，只有生机盎然的自然景观，他陶醉于其中，物我两忘。就是因为其作品的极端“个性化”，以致不能被人们所接受。每一位优秀的艺术家都会有自己独特的表达方式，他们没有必要去让别人接受，或者是适应时代的需求，只要有自己特有的创新的东西存在就可以了。尽最大限度的让自我的精神得到发挥，得到释放才是最重要的。当今的社会艺术家通过不同的方式来反映社会以及自身的价值，意想不到的结合我们也是随处可见的，他们这样做的目的只有一个那就是“个性”的自我表现，但是设计家往往是做不到的。

　　设计的商品在市场中能否很好的流通，并获得好的收益就在于设计要有“包装”和“美化”的作用。由市场的需求以及强烈的竞争来实现商品的最终价值，其实，作为一名设计者他们设计的商品是随着市场的行情，以及客户的需求而定的。在资产过剩的年代，就算设计的再精，也是不需要设计家再费周折了。因为设计的商品已经达到了社会所需求的最大的流通量，也就是商品的供求关系（供过于求）。所以设计在市场当中的收益所含的不确定性也就可想而知了。

　　二、绘画讲究自然不追求秩序，设计有一定的秩序感

　　翻开历史的绘画卷轴我们不难发现，无论是中国的山水、花鸟，还是西方的油画风景，其意在追求一种虚无的东西，没有规律可循的绘画意境是存在的。中国画强调画面有意境，“外师造化，中得心源”，要求“意存笔先，画尽意在”，强调融化物我，创制意境，达到以形写神，形神兼备，气韵生动，形成显著的艺术特征。中国古典绘画所体现的“空”、“灵”、“气韵”以及“墨分五色”用有限的笔墨表现无限的意境等美学思想，都是为了在寻找一种不确定的美，令人匪夷所思的一些美的东西。在西方的绘画流派中，其实在他们的作品中也有许多在追求一种不确定的美。意大利文艺复兴时期的达芬奇、拉斐尔、米开朗基罗他们的作品虽然很现实，画的很细致，让我们回味无穷，但是作品还是在追求一种意境，一些我们看不到的东西。

　　设计讲究一定的秩序，在平面设计中我们无时不感到这种秩序的存在。在这里我就说说城市视觉的构建秩序。城市视觉的构建秩序如逻辑的秩序、行为的秩序、礼仪的秩序，都是城市的文明水平与审美修养直观体现，在平面设计中，视觉秩序处理好了就是一曲和谐的旋律，给人愉悦的心理体验；反之则会让人厌恶、敬而远之。

　　传统户外广告的设置方式多是以追求“夺目”与“冲击力”为目的，而淹没了整体美感和秩序，既没有达到预期的传播效果，反而引起受众的反感，视线避之不及，最终无法摆脱被拆除的厄运。从这我们不难看出，设计的秩序性是多么的重要。设计之所以因为有了秩序使得产品有了一定的美感，设计之所以有了秩序使得视觉元素有了一定的规律可循。

　　三、绘画不具备包容性，但设计具有包容性

　　绘画空间是个性的自我展示，从来不受某些因素的制约，总是处在一种相对开放的空间中，是艺术家的一种思维过程。我们能在设计中表达出来的东西，不一定能在绘画之中表达出来。而且，画种之间也特别强调相对的独立性，如水彩画色彩透明流畅，有虚有实，颜色丰富，水彩颜料易干，因此很难对其进行好的控制。中国画则是用笔、墨、宣纸来进行作画，技法上讲究笔墨的变化，用笔上也讲究虚实的变化，以此达到画面的生动耐人寻味。也就是“应物像生”的艺术效果。在作画上都是以水为依托，假如将水彩颜料和墨进行搀和作画，我想那也就出现技法不清楚，画种不清的杂乱效果了。因此，我们不难看出绘画之中，画种与画种间是不具备包容性的。

　　设计在构图上对绘画元素有一定的借鉴。一副好的设计作品不是说把画面上的所有元素合理的进行编排就行了，它还包含了主题的展现、意境的营造、情趣的构建等等。不是说将整个设计空间满满的堆放就可，生怕有遗漏的地方，其实在我看来这样往往是最不合理的，不仅设计毫无意义，而且设计的本身也失去了它的真正意义。这样的作品，往往也使读者看了半天还看不出个所以然来，分不清主题是什么。我们常常说的留白，就是平面设计中最重要的设计因素，现代平面设计不断吸收我们中国绘画中的构图留白这一特点，适当的对设计空间进行留白的处理，不仅可以起到简洁明快、条理清晰的感觉，而且在当今社会竞争激烈，社会节奏快的情况下让人视觉得到暂时的停留，给人以视觉上得到休息。以致对画面有更多联想的空间，让人回味觉得有魅力。平面设计还包容了中国绘画的水墨元素。基于水墨的特性，设计者还会考虑传统的文化特色。将中国水墨元素运用到设计之中我觉得这是一种创新，是民族文化得以发扬和继承的一种形式。记得中央电视台上有这么一节动画广告“从无形到有形，从有界到无疆”，短短一分钟的动画用水墨的流动和丰富的墨色层次来描绘祖国的万物丛生和欣欣向荣的城市发展景象，无不透露出中华千年的文化底蕴，由古到今文化特色让人细细品味一番，一个墨点衍生出中国的山水画、工笔花鸟、再在半分钟的画面上由一条巨龙贯穿上下，开启下文引领当今，太极拳，长城，列出，鸟巢，运动员，再到航天很完美，不难看出这又是民族特色与设计一次结合。

　　标志设计是平面设计的一个分支，从中我们也能寻觅到许多绘画中的元素。北京奥运会的会徽设计——中国印·舞动的北京更是如此。“舞动的北京”是一座奥林匹克的里程碑。它是用中华民族精神镌刻、古老文明意蕴书写、华夏子孙品格铸就出的一首奥林匹克史诗中的经典华章；“舞动的北京”是一方中国之印。这方“中国印”镌刻着一个有着十三亿人口和五十六个民族的国家对于奥林匹克运动的誓言；见证着一个拥有古老文明和现代风范的民族对于奥林匹克精神的崇尚；高度的概括，将汉字“京”至于印章的图案之上，开放的图形又体现着一个开放的国度，“京”字更像是一个渴望与世界共进的“少年”，用他那强有力的臂膀拥抱世界！

　　由此我们不难看出，中国的水墨、文字、印章都是特有的东西不是说哪个国家都有的。能够将传统的绘画元素于设计很好的结合，是绘画元素在当代社会的一次创新，也是设计包容性的体现。

　　综合上所述，不难看出绘画和设计既有相互的联系，又具有各自的特性即差异性。只有正确地把握绘画与设计的差异性，掌握适度的分寸关系，才能创作出更好的作品。